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Critiques Express

City Cops    (1989)
 Deux inspecteurs pas trop futés (Michael Miu Kiu-wai, Shing Fui-on) reçoivent comme mission d’êtres les gardes du corps d’un fugitif (Kent Tong) rechercher à la fois par le FBI et des gangsters. Lorsqu’il file entre leurs doigts, les policiers n’ont pas d’autre choix que de surveiller sa sœur (Suki Kwan). Quand des gangsters kidnappent la jeune femme, une inspectrice du FBI (Cynthia Rothrock) vient à la rescousse.

 Parmi la dizaine de films que Cynthia Rothrock fit à Hong-Kong, City Cops est un des moins connus. C’est pourtant le film dans lequel Rothrock croise le fer avec une autre dame du genre « girls with guns » : Michiko Nishiwaki. Il s’agit là de son second et dernier duel de Rothrock contre une autre amazone martiale dans un de ses films hongkongais après celui de Karen Shepard dans Righting Wrong.

Lors d’une entrevue, Rothrock a décrit sa participation à City Cops comme suit : une partie du film avait déjà été tourné et ça ne sortait pas très bien. « Ils » (les producteurs/metteur en scène présumément) se sont alors dit qu’en engageant Cynthia Rothrock ça sortirait peut-être un peu mieux. Rothrock a travaillé environ une semaine sur City Cops dont elle n’a pas conservé grand souvenirs et ignorait le titre anglais.

CONTEXTE HISTORIQUE : UNE HISTOIRE DE FLIC
Au départ, City Cops n’a pas été songé comme un film girls with guns. Comme bien des productions made in h-k, il a plutôt commencé comme le calque d’un film à succès; dans ce cas-ci, Tiger on the beat mise en scène par Lau Kar-leung. Centré sur un pair de policiers ahuris (l’un d’eux joué par nul autre que Chow Yun-fat), Tiger a su combiner dans un mélange détonnant tant la comédie bouffonne, que le film d’action et le polar violent. Le film connut un tel succès qu’il s’est élevé au cinquième rang du box-office local pour l’année 1988. La réussite du film aura vraisemblablement amené le propre frère de Lau Kar-leung, Lau Kar-wing à vouloir faire un film dans le même genre, vu qu’il était également un réalisateur.

City Cops est le film que Lau a tourné. Sa trame générale est en fait presque exactement la même que Tiger on the Beat : une paire de policiers fanfarons d’un côté, des gangsters de l’autre et une jolie fille sexy prit entre les deux. Ici les deux policiers sont joués par Shing Fui-on et Miu Kiu-wai.

Alors que le premier est surtout connu en occident pour ces rôles d’affreux notamment pour le classique The Killer, le second pourrait être décrit comme un Chow Yen-fat de second ordre; un acteur beau gosse et versatile capable de jouer autant les figures tragiques que les bouffons. C’est lui qui a remplacé Charlie Chin dans la série des Lucky Stars y reprenant le rôle de séducteur de pacotille, un type de personnage qu’il reprend pour City Cops.

Lau a dû penser que mettre ces deux comédiens ensemble pour jouer une paire de flics ahuries pourrait être drôle, mais hélas, cela s’est avéré une fausse bonne idée. Prit avec des gags éculés, stupides ou de mauvais gouts (sur le Sida ou les travesties par exemple) de même que des personnages sommes toute peu sympathique, Shing et Miu font de bien piètres larrons et les épisodes comiques du film tombe passablement à plat.

Que la comédie ne soit pas trop bonne et le récit des plus conventionnels est un peu surprenant quand l’on considère que le script de City Cops est de Barry Wong vu comme un des meilleurs scénaristes du cinéma de Hong-Kong des années quatre-vingt et début quatre-vingt-dix. Il faut quand même considérer que City Cops était un des huit scénarios qu’il a écrits en 1989.

La venue de Rothrock ajoute un élément girls with guns dans l’ensemble déjà passablement hétéroclite de City Cops. Bien qu’elle ait été engagée pour énergiser les scènes d’action du film, l’actrice est elle-même impliquée dans quelques sketchs comiques qui comme tout le reste ne lèvent pas ou son juste trop grotesque. Comme Rothrock ne connaissait pas le cantonais et mimait ces dialogues, elle n’avait probablement pas une grande idée de ce qui se passait en fait dans une scène. Le grand gag concernant son personnage est que le flic joué par Shin tombe amoureux d’elle et il flirte en l’appelant affectueusement « Honey ».

SCENES D’ACTION : ROTHROCK A LA RESCOUSSE.
Heureusement, Rothrock est employée de bien meilleure façon dans les scènes de combat. Le premier survient 5 min dans le film et consiste surtout en une série de fusillades. Ce déroulant dans un immeuble délabrer plonger dans noir la séquence bénéficie d’une atmosphère visuelle ténébreuse au vif éclat rouge et vert.

Par la suite, Rothrock a à faire face entre autres à un sabreur japonais qu’elle finit par contrer avec l’emploi bref, mais efficace d’une paire de saïs. Elle se mesure également contre un gangster martial joué par nul autre que Mark Houghton le propre disciple de Lau Kar-leung, qui était alors en début de carrière dans ces apparitions d’homme de main gweilos.

Le grand morceau d’action du film survient lors du dénouement ou Rothrock fait face à Michiko Nishiwaki dans un vaste entrepôt (le champ de bataille typique dans les films d’action des années quatre-vingt). Tout comme Rothrock, Nishiwaki a vraisemblablement été engagé à la dernière minute pour rehausser le film. D’ailleurs, elle n’apparait que dans trois scènes incluant celle de l’affrontement final. Malgré la brièveté de ses apparitions, Nishiwaki fait une superbe impression avec l’intensité de son regard et son costume mao tout blanc.

Le duel est relativement bref, mais assez spectaculaire. Alors que Rothrock est une artiste martiale, Nishiwaki est une championne du culturisme qui se double d’une gymnaste extrêmement flexible. Le combat des deux dragonnes met bien en valeur les qualités physiques distinctes de deux actrices. Le duel devient encore plus tourbillonnant lorsque l’homme de main joué par Mark Houghton s’en mêle.

Miu
et Shing participent également au dénouement, Miu se débrouille fort bien avec une mitraillette et un peu de kung-fu alors que Shing plus simplement abat des truands avec un revolver.

Bien que le film ne présente pas les meilleures prestations de Rothrock, ces combats n’en constituent pas moins les meilleurs éléments du film et de loin. Si, tel qu’escompté, l’implication de Rothrock (et de Nishiwaki) sauve City Cops du désastre, il n’en demeure pas moins que le film est des plus inégal.

CONCLUSION.
Ultimement, City Cops ne semble pas avoir fait grande impression lors de sa sortie. Ainsi au classement annuel de Hong-Kong pour l’année 89, il s’est positionné au 108 rang, soit 103 positions plus basses que Tiger on the beat le film qu’il cherchait à émuler. Il s’est également retrouvé trente-quatre positions plus basses que l’autre film de Rothrock présenté cette année-là Blonde Fury.

Cela dit, l’expérience peu concluante de City Cops ne découragea pas Lau Kar-wing qui réalisa en 1990 un autre film de policiers ahuris excepté que celui-ci mettait en vedette Sammo Hung et Mak Kar : Skinny Tiger and Fatty Dragon. Ce film-ci connu un meilleur succès surpassant même au box-office la suite de Tiger on the Beat toujours réaliser par Lau Kar-leung.

City Cops est disponible de nos jours sur YouTube. La plupart des critiques évaluant le film suggèrent de sauter tout droit sur la scène d’action pour s’éviter un affligeant spectacle d’humour lamentable. C’est une démarche que je recommande également. L’action de Rothrock, Nishiwaki et même d’un jeune MMark Houghton (qui a pris la succession martiale de Lau Kar-leung depuis le décès de ce dernier en 2013) en vaut la peine.

City Cops n’a pas de titre français connu. Flics urbains est la traduction du titre anglais. Les autres titres anglais du film sont Beyond the Law (Au-delà de la loi) et Free Fighter (Le Combattant libre). Aucun de ces titres de donne une idée du film. Le titre chinois (donc le vrai titre) est Miao Tan Shuang Lung ce qui signifie « Le magnifiques duo détectives dragons » est plus imagé, mais en vue des héros ahuris qu’il présente passablement faux.


Yves Gendron 11/1/2018 - haut

China O'Brien    (1990)
 Experte martiale et policière dans une grande ville, China O’Brien (Cynthia Rothrock) laisse tout tomber le jour ou suite à une embuscade un ado trouve la mort. Retournant à son patelin natal elle découvre que son père le shérif du comté a d’énormes difficultés à faire face à la corruption et à la violence suscitée par un homme d’affaires véreux. Lorsque son père est tué, China est déterminée à reprendre la lutte. Elle est aidée par Matt (Richard Norton) un ex-marine qui est son ancien amoureux et Dakota (Keith Coorke) un Amérindien ayant ses propres comptes à régler avec le ripou et sa gang.

 Datant de 1990, China O'Brien est le premier film de langue anglaise dont l’actrice martiale Cynthia Rothrock est la vedette en titre. Il devrait être également le premier film martial américain dont le héros est une femme.

CONTEXTE DE PRODUCTION (UN WESTERN MODERNE)

Produit par la Golden Harvest, les dirigeants du studio espéraient avec ce film lancé Rorthrock en Amérique et percé le marché du film international. Pour ce faire, ils ont fait appel à leurs fréquents associés : le producteur Fred Weintraub et le metteur en scène Robert Clouse. Ceux-ci les avaient déjà aidés à lancer Bruce Lee avec Enter The Dragon (1973) puis Jackie Chan; avec Battle Creek Brawl (1980).

Si la Golden Harvest est le commanditaire du film, China O’Brien est toutefois une production complètement américaine. Presque tous les acteurs de même que l’équipe de production du film viennent des É.-U. et le film a été tourné dans une petite ville rurale dans l’état du Utah. À part Rothrock la seule figure familière du cinéma de Hong-Kong que l’on retrouve dans ce film est le karatéka australien Richard Norton qui joue son amoureux.

Alors qu’Enter The Dragon s’inspirait du film d’espionnage et que Battlecreek Brawl mélangeait le film de gangsters et la screwball comédie, China fait dans le western moderne. Le film présente après tout un shérif qui s’oppose à la tyrannie et la corruption d’un affairiste véreux dans une petite ville. Un guerrier amérindien vient même donner un coup de main au héros. Au lieu d’être un cowboy valeureux, armée d’un revolver le héros de China est une jeune femme qui fait du kung-fu.

Rothrock ayant surtout joué des rôles de policière de choc étrangère dans ces films hongkongais, l’idée d’en faire une ex-flic qui revient au pays natal pour affronter de gros redneck yankees en terre américaine n’est pas du tout mauvaise. Cela permet de présenter un coté plus intime au personnage de Rothrock qui retrouve parents et amis cela dans un contexte et avec des personnages typiquement américains. Rothrock à d’ailleurs confier lors d’une entrevue que parmi tous les rôles qu’elle a joué celui de China était celui qui était le plus proche de sa personnalité.

Rothrock a beau être la vedette du film, plus celui-ci progresse plus elle fait de la place à deux faire valoirs ; Richard Norton (Matt) de même que Keith Coorke (Dakota). En fait, China O’Brien reprend un schéma scénaristique similaire à celui que l’on retrouvait déjà dans Enter the Dragon. Celui-ci présentait en effet trois protagonistes chacun de races différentes auquel autant d’attention était offerte à tour de rôle : un chinois, un blanc et un afro-américain. On espérait de cette façon attirer le plus de spectateurs possibles. China emploi une stratégie similaire de diversification des héros excepter que ceux-ci prennent la forme d’une femme, d’un blanc et d’un pseudo indien (Coorke étant mi — japonais mi-caucasien).

Si Rothrock et Norton sont des figures reconnues du cinéma d’action hongkongais; Keith Coorke lui est une vedette mineure du film d’action américain. Expert en wushu, en karaté et en taekwondo son look ténébreux stoïque de même que son athlétisme martial bondissant font songer un peu à Donnie Yen. D’ailleurs, un des premiers affrontements du personnage le voit faire un double coup de pied sauté atteignant deux adversaires simultanément ce qui est également un des coups de marque de Yen. Coorke s’étant cassé la main gauche avant le tournage, son personnage est mutilé par les méchants et porte un gant prothèse.

SCÈNES D’ACTION
China O’Brien contient une demi-douzaine d’affrontements qui se déroule entre autres dans un bar, une allé obscur, un rallye politique, un gym et même une étable. Ils sont tous filmés en plan séquences, une approche qui a la vertu de mettre bien en valeurs l’athlétisme martial des acteurs et de paraitre robuste et réaliste. Toutefois, malgré leurs vigueurs physiques les scènes de combat de China O’Brien sont moins flamboyantes et beaucoup plus poussives que ceux que l’on retrouve dans les films hongkongais de Rothrock.

Le calibre moins extravagant des combats à l’américaine s’explique entre autres par l’emploi de cascadeurs qualifier mais moins casse-cou que ceux de HK, un rythme moins vivace, une chorégraphie à la fois moins féroce et un emploi du montage plus limité.

Aussi le cinéma américain a en général une conception différente des scènes de combat. Habituellement, le héros démontre sa valeur en étant une force irrésistible qui démolit ces adversaires. Cynthia et ses comparses font de même dans China en faisant face à des dizaines de fier à bras dont aucun n’est à leurs mesures. Cela donne un spectacle de bagarres qui bien que ludique à un certain niveau (surtout lorsqu’il implique une petite blonde contre des loubards ayant deux fois sa taille) ne suscite guère de suspense.

Les deux meilleures bagarres du film sont celles du gymnase et du bar. Ces deux séquences font un emploi judicieux de l’environnement et de quantités d’accessoires. Les adversaires ne font pas juste s’échanger des coups de poings et de pied, ils se lancent tout de sorte d’objet sur eux incluant des poids d’haltérophilie et des vases. Cette façon de se bagarrer de même qu’une cascade dans lequel une moto passe à travers une vitrine pour écraser un adversaire suggère une influence probable du style d’action à la Jackie Chan (en particulier de Police Story) en beaucoup moins virtuose naturellement.

Assez curieusement, même si elle est la vedette du film, ce n’est pas le personnage de Cynthia Rothrock qui affronte le grand méchant pour le dénouement. Cet honneur revient au personnage de Keith Coorke. Le méchant en question étant un vieux pourri sans aucun kung-fu (il n’a rien d’un M. Han, le méchant de Enter the Dragon) la confrontation entre les deux antagonistes se joue comme un jeu de cache-cache dans une étable. La mise en scène fait un emploi judicieux d’ombre et de clôtures en bois pour découper l’image en une série de ligne verticale, une stylisation visuelle (la seule du film) qui évoque la fameuse scène de la galerie des miroirs vue dans Enter the Dragon. Comme le vieux pourri et Dakota emploi des armes à feu China ne se termine pas sur un corps à corps épique ce qui un peu décevant pour un film martial.

SURVOL CRITIQUE
Au-delà du caractère ludique des bagarres et de sa gimmick d’avoir une femme combattante comme héroïne il n’y a pas grand-chose à retenir de China O’Brien., à tout le moins pour un fan de film d’action made in H-K.

C’est un film d’exploitation assez bancal reposant sur des formules scénaristiques dérivatives remplies de personnages et de situation aussi clichées les unes que les autres. Les méchants quant à eux sont juste des crapules sans envergures.La qualité de l’interprétation est aux mieux moyenne en générale. La grosse scène dramatique de Rothrock fait dans l’hystérie maladroite et pour un américain du Midwest le personnage de Norton a un joli accent australien.

Ceci dit malgré leurs limites d’acteurs les deux protagonistes créent quand même des personnages sympathiques et crédibles tant dans leurs personnalités que leurs relations; une belle complicité unit tant les personnages que les acteurs qui les jouent. C’est le meilleur atout du film.

INFORMATIONS SUPPLEMENTAIRES.
L’histoire du film vient de la propre fille du producteur Fred Weintraub; Sandra, que Clouse développa en scénario. Sandra c’est peut-être inspirer du film Walking Tall un film de 1973 dans lequel un shérif intègre fait face à la violence et la corruption en pleine Amérique rurale.

Weintraub et Clouse ne se sont pas arrêté à faire un seul film lors du tournage de China O’Brien, ils sont également filmés la suite. Celle-ci reprend les mêmes acteurs et le même type de méchants des fiers à bras diriger par un mafieux sans aucun art martial.

Petit détail amusant ; les spectateurs avec le sens de l’observation ne manqueront pas de noter que l’apparence luxueuse de certaines automobiles tranche avec ce que l’on retrouve en Amérique rurale. En fait, il semble que China O’Brien fait dans le placement publicitaire comme d’autres films de la Golden Harvest notamment ceux de Jackie Chan. C’est la seule explication logique pour expliquer la présence de véhicule si incongrue dans le film.

CONCLUSION
China O’Brien n’est pas un film qui aura bénéficié du même niveau de ressources et d’ingéniosité que Enter The Dragon, Battle Creek Brawl ou les principaux films hongkongais de Rothrock. Cela est bien dommage considérant le talent martial de cette dernière. Cela dit, China O’Brien n’avait pas le même type de vedette que les films de Bruce Lee et Jackie Chan et n’était pas tout à fait destiné au même genre de public.

China O’Brien ne semble pas avoir remporté le succès escompté en salle. Par contre, il aurait été plus populaire en tant que produit DVD et aurait ainsi contribué au développement du marché des films d’action « » direct to video » » (dtv) au cours des années quatre-vingt-dix. C’est d’ailleurs là que Rothrock poursuivit sa carrière une fois que sa phase hongkongaise terminer.

Maintenant vieux de plusieurs décennies, China O’Brien peut être considéré comme une antiquité filmique passablement vétuste. Bien qu’il s’agisse du premier film martial féminin provenant des États-Unis son importance historique et ses qualités formelles sont assez limité.

Il pourrait quand même être d’un certain intérêt comme curiosité pour des admirateurs de Rothrock même si le film ne se compare en aucune manière à ces films hongkongais. La seule nouveauté que China offre par rapport aux films Made in H-K est d’entendre l’actrice parlée avec sa propre voix de même que le spectacle un tant soit peu ludique de la voir se bataillé avec de gros red-necks.


 10/28/2018 - haut

Irresistible Force    (1993)
 À quelques semaines de la retraite, le policier Harris Stone (Stacy Keach) veut s’assurer une routine sans histoire en prenant un nouveau partenaire bien tranquille. Il croit l’avoir trouvé avec Charlotte Haller (Cynthia Rothrock) une nouvelle recrue un peu insécure car elle a raté un examen final. Manque de chance pour Stone, Charlotte s’avère être une experte en arts martiaux qui a tendance à se lancer tête première dans des situations dangereuses. Pire encore, Charlotte se retrouve bientôt coincée dans un centre commercial envahi par un gang de miliciens suprématistes qui prennent tout ceux présent en otage incluant des politiciens importants. Stone doit alors trouver un moyen d’aider sa partenaire et à eux deux il faut qu’ils empêchent le dénouement catastrophique de la prise d’otage planifier par le chef machiavélique des miliciens (Christopher Neame).


 Devenue une vedette martiale à Hong Kong dans la seconde moitié des années quatre-vingt, Cynthia Rothrock poursuivit par la suite sa carrière aux États-Unis. La plupart des films qu’elle a alors faits sont lancés directement sur le marché vidéo et ont l’envergure de série B bancales.

Il y a cependant une exception notable : Irresistible Force produit en 1993 qui a été conçu comme le pilote d’une série TV potentielle pour une chaine de diffusion américaine. Rothrock était en fait la co-vedette du film au côté de l’acteur Stacy Keach connu à l’époque pour ces rôles à la TV notamment du détective dur à cuire Mike Hammer.

CONTEXTE DE PRODUCTION,
La prémisse de Force est de présenter un duo à la Lethal Weapons (un vieux pro avec une tête brûlée) et de les lancer dans un thriller à la Die Hard.Toutefois, dans cette variation, la tête brulée est une jolie blonde et la tour de cristal est remplacée par un grand centre commercial.

Assez curieusement, bien que destiné à une chaine de diffusion américaine, Force a été tourné en Australie.

Dans le scénario original de Force, le personnage du vieux pro était présenté comme le faire-valoir de celui de Rothrock. Toutefois, une des exigences de Stacy Keach pour faire Force était de voir son personnage prendre plus de place dans l’histoire et avoir une personnalité plus développée. Même s’ils sont partenaires, les deux personnages passent l’ensemble du film séparés. La trame narrative alterne entre eux deux, plus le méchant suave et sinistre à souhait joué par Christopher Neame.

La réalisation du film a été confiée à un certain Kevin Hooks. Bien qu’œuvrant surtout pour la télévison, celui-ci venait tout juste de connaitre un grand succès avec le Die Hard aérien Passagers 57 qui en 1992 a fait de l’acteur Wesley Snipes une vedette du cinéma d’action.

SCÈNES D’ACTION.
Avec Die Hard comme modèle d’un côté et la présence de Rothrock de l’autre, les scènes d’action alternent entre fusillade et corps en corps. Force ayant été conçu pour la télévision américaine, la violence dans les fusillades n'est pas graphique comme son modèle (dont le titre anglais signifie après tout "Mourir à la dure"). Selon Rothrock le réalisateur du film a même reçu des mémos pour ne pas inclure certains types de brutalité (tel un coup de pied à la tête).

Les combats aux corps à corps d’Irresistible Force ont été réglé par Antony Szeto un australien qui a été entrainé en wushu chinois tout comme l’a été Rothrock elle-même. Comme de coutume, celle-ci livre la marchandise en se mesurant à des fiers-à-bras deux fois plus grands qu’elle. Pour ce film, ses confrontations consistent surtout en de grands coups de pieds, des prises d’immobilisation appliquées aux bras et l’emploi de quelques accessoires notamment une paire de poêles en téflon, et une grosse chaine d’acier. Quelconque apport wushu de Szeto ne se voit pas, excepté pour une série de pirouettes spectaculaires faites par le personnage de Rothroth à une occasion.

Les combats sont filmés de façons conventionnelles pour un film américain des années 90, c’est-à-dire en plans d’ensemble qui mettent en valeurs l’athlétisme martial des combattants, mais sont assez platement filmés. Bien qu’efficace et parfois d’une certaine inventivité, la chorégraphie dans Force n’a donc ni la fluidité, ni la force et la férocité du modèle made in H-K. Cela est particulièrement évident lors de l’affrontement final de Rothrock contre le méchant joué par Neale. Bien que le personnage par son accoutrement en chemise blanche et bretelles évoque un tant soit peu celui de Benny Urquidez dans le classique Wheels on Meals son duel contre Rothrock est loin de suscité le niveau d’étincelles vues dans le classique de Jackie Chan.

LE VIEUX PRO ET LA JOLIE BLONDE.
Stacy Keach n’étant pas un acteur martial, ses scènes d’action consistent en des fusillades et quelques petites cascades. Au lieu d’assommer avec des coups de poing, son personnage assène plutôt des répliques assassines la plupart adressées à des figures d’autorités en bon flic maverick qu’il est. Acteur solide et truculent, Keach est un excellent partenaire pour Rothrock qui d’habitude dans ses films américains fait face à d’autres vedettes martiales au jeu et à l’expressivité assez limités.

Au-delà des combats Rothrock a elle-même de nombreux bons moments. Une partie de l’humour du film repose en effet sur son look de petite blonde inoffensive jusqu’à ce qu’elle entre en action. On lui débite aussi quantités d’énormités sexistes sur les attributs supposés des femmes. Tout comme Keach elle a son lot de petites répliques allumées, mais à vrai dire ce qui est le plus intéressant avec son personnage est qu’elle est un brin incertaine. Ses décisions sont constamment remises en question par ses supérieurs. En plus d’une certaine tension dramatique supplémentaire, cela donne un type de vulnérabilité à son personnage qu’on ne voit jamais dans ses films hongkongais.

CONCLUSION
En fin de compte, les aventures de Harris Stone et Charlotte Heller ne sont pas allées plus loin que le pilote. Tout comme les autres films de Rothrock des années 90, Force a du se contenter d’une simple sortie vidéo dans le marché du film d’action bas de gamme. C’est dommage, car sorti sur une chaine TV américaine, le film aurait bien pu rehausser la renommée de Rothrock et sortir du ghetto dtv (direct to video). Hélas pour elle, il a fallu qu’elle y continue sa carrière. Rothrock a déclaré à quelques reprises que Irresistible Force constitue le meilleur travail de sa carrière, ce qui donne une idée de la bonne expérience qu’elle a connu lors du tournage.

Certes, au niveau des scènes d’action Force ne se compare pas aux films hongkongais de l’actrice ou même aux clones hongkongais extravagants de Die Hard comme City Hunter, High Risk et Red Wolf produits à la même époque.

Malgré sa trame conventionnelle et dérivative de même, que sa facture visuelle TV peu accrocheuse, Force n’en demeure pas moins une production dont le calibre, la qualité de la mise en scène sont bien plus relevés comparé aux autres films de Rothrock. Le scénario est fort bien ficelé et on fait un très bon emploi de ses acteurs, notamment au niveau de l’humour.

De plus, une qualité supplémentaire fort plaisante d’Irrésistible Force est son souci du détail. Ainsi à quelques reprises, un élément dans le scénario ainsi est introduit qui est par la suite rappelé ou complémenté par une information additionnelle peu après. Cela montre que Kevin Hooks de même que le scénariste avaient de la suite dans les idées.

Malgré son âge d’un quart de siècle, Irresistible Force pourrait donc être considéré comme un bon petit divertissement rétro efficace, léger et sans prétention qui met bien Rothrock en valeur.

Irresistible Force est disponible sur le site Youtube à l’Adresse suivante : https://www.youtube.com/watch?v=V1PkagO7C1A.
Yves Gendron 10/11/2018 - haut

Blonde Fury    (1989)
 Cynthia est un reporter de choc qui enquête sur des criminels de la finance. Un juge accuse de fraude un banquier qui voudra se venger. Mais la furie blonde veille au grain.

 Datant de 1989 Blonde Fury est un film qui a été conçu exprès pour mettre en valeur Cynthia Rothrock la seule artiste martiale occidentale à s’être fait un nom dans le cinéma d’action hongkongais.

Contrairement à d’autres films ou elle devait partager la scène avec une autre vedette d’action (Michelle Yeoh dans Yes Madam, Yuen Biao dans Righting Wrongs, Andy Lau dans Magic Crystal), Rothrock dans Blonde Fury est au centre de presque la totalité des combats. Cela dit, elle doit quand même faire de la place à un faire-valoir comique (Meng Hoi aussi l’un des réalisateurs du film) et à un prince charmeur (Chin Siu-ho).

C’est que la plupart des films d’action des années quatre-vingt, même ceux de Jackie Chan et de Sammo Hung étaient conçus comme une succession de vignettes alternant scènes d’action et scènes comiques avec quelques morceaux d’exposition le plus souvent maladroitement plaqués ici et là. Parfois, une voix hors champ d’un ou des personnages était même employée pour situer une location ou connecter deux scène entre elles.

Blonde Fury alterne donc scènes comiques, scènes d’action et scènes de méchants. Les bouts de comédie font tant dans le l’humour verbal (le quiproquo sur les prostituées) que le burlesque potache (les électro-chocs, la scène du cambrioleur caché, du rat et des raquettes de tennis).

Blonde Fury a ceci de particulier que c’est le premier film cherchant à exploiter un tant soit peu Rothrock dans des situations comiques. C’est que son personnage a une copine hongkongaise (joué par Elizabeth Lee) et leurs fréquents badinages permettent de présenter une facette plus légère de l’actrice habituellement cantonnée à des rôles d’amazone occidentale assez stoïque. Rothrock a ainsi l’opportunité de faire de mimiques faciales cocasses tout à fait charmantes.

SCÈNES D’ACTION.
Toutefois, Rothrock n’est pas dans le film pour ces talents de comédienne. Blonde Fury présente plusieurs séquences d’action spectaculaire qui mettent bien en valeurs tant son athlétisme martial que les talents et l’audace des chorégraphes et des cascadeurs de Hong-Kong. Un grand saut d’un immeuble en feu, une mêlée générale dans un échafaudage de bambou contre une douzaine de fier-à-bras, un autre se déroulant dans les mailles d’un filet gigantesque et une chevauchée sur un camion roulant tambour battant sont les scènes d’action/cascades présentées dans le film.

Au niveau des affrontements, Rothrock affronte dans un duel furibond le kickboxeur Billy Chow Bei Lei au milieu du film alors que pour le dénouement ce sont les artistes martiaux occidentaux Vincent Lyn et Jeff Falcon qui sont utilisés.

Le seul combat dans lequel Rothrock n’est pas impliqué est un affrontement également mouvementé entre Chow et Chin Siu-ho de même qu’une brève escarmouche impliquant Meng Hoi et Chin contre Lynn et Falcon. Comme de coutume, dans les films d’action de cette époque, le dénouement a lieu dans un vaste entrepôt qui dans Blonde Fury est rempli de conteneurs et la chorégraphie fait un excellent usage des espaces étroits pour dynamiser tant la chorégraphie que la mise en scène.

CONTEXTE DE PRODUCTION
Blonde Fury est un film de la compagnie de production de Sammo Hung ; Bojon, pour le compte des studios Golden Harvest. Sammo lui-même n’a pas été impliqué dans le film, la position de producteur étant ici occupé par Corey Yuen. Ce dernier avait déjà mis en scène et chorégraphié trois films avec Rothrock incluant les deux plus importants : Yes Madam et Righting Wrongs. Pour le nouveau film, la mise en scène échue initialement à Meng Hoi l’assistant de Yuen à la chorégraphie (et également acteur).

Un premier tournage a eu lieu en 1987. Toutefois, les patrons de la Golden Harvest décidèrent après coup d’augmenter le quota d’action du film. Ces nouvelles séquences furent filmées et chorégraphiées par Corey Yuen lui-même. Pour faire place au nouveau matériel, on a dû supprimer quantité de scènes de la première version et probablement changer les dialogues (via doublages) de certaines des scènes restantes. Ce choix aura gravement compromis la progression et la continuité narrative du film qui sont des plus maladroites et hasardeuses. Cela se manifeste notamment avec les différents styles de coiffure de Rothrock qui rapetisse ou s’allonge d’une scène à l’autre, mais également avec des personnages ou des situations qui sont abandonnés arbitrairement.

Il est fort probable que l’histoire et au moins quelques personnages présenter dans la nouvelle version non plus grand-chose a voir avec ce qu’ils étaient dans la version initiale. Par exemple dans version no 1 Rothrock incarnait une journaliste (d’où le titre alternatif du film Lady Reporter), dans la version no 2 elle passe à autre chose après deux ou trois scènes seulement.

Cela dit, la version initiale de Blonde Fury ne devait pas être non plus un grand exemple de récit probe. C’est que la majorité des films d’action hongkongais des années 80, employait la plupart du temps des ébauches de script même en plein milieu d’un tournage.

INFORMATIONS SUPPLÉMENTAIRES.
Quelques scènes de Blonde Fury ont été tournées dans les décors de l’usine employés dans le film de Sammo Hung; Dragons Forever (88).

La distribution de Blonde Fury est assez intéressante par endroit. Le grand méchant du film est ainsi joué par nul autre que le réalisateur Ronny Yu et il en fait des tonnes. Le rôle du procureur persécuté est joué par Roy Chiao qui fait un fou de lui pour les besoins du film notamment en étant un fan du dessin animé He Man. Wu Ma fait une de ces apparitions comiques typiques en jouant un propriétaire de journal en faillit. Melvin Wong dans son rôle habituel de superintendant fait la vie dure au personnage de Rothrock bien que pas de la même manière que dans Righting Wrongs. La propre fille de Raymond Chow président de la Golden Harvest joue le rôle d’une infirmière gaffeuse. Rothrock l’a décrite comme une des seules personnes pouvant parler anglais sur le plateau de tournage.

Blonde Fury est aussi connu en anglais sous le titre de Lady Reporter et Righting Wrong II. Le titre français est Une flic de choc II. Le titre original chinois est Shījiě dà shài ce qui signifie à peu près « Madame Grand Éclat de soleil » une manière toute chinoise de dire que Rothrock est une policière blonde. C’est le seul film hongkongais de Rothrock dont le titre désigne son personnage.

Malgré le temps et l’argent investi par la Golden Harvest pour refaire une partie du film, Blonde Fury ne connut pas un grand succès lors de sa sortie en avril 1989, se classant en 74 places au box-office local annuel. On est loin des succès rencontrés par les films précédents de Rothrock; quinzième place pour Yes Madam en 85, vingt et une place pour Righting Wrongs en 86 et dix septièmes places pour Inspector Wears Skirts en 88. Par la suite, Golden Harvest ne tenta plus de promouvoir Rothrock auprès du public asiatique bien que le studio produisit deux autres films la mettant en vedette : China O'Brien et sa suite, ceux-là conçu exprès pour le marché du film international.

SURVOL CRITIQUE
Comparé à Yes Madam et Righting Wrongs Blonde Fury est un patchwork assez inégal avec une quantité astronomique de maladresse et de brusquerie dans sa trame narrative. Les blagues potaches et l’humour verbal cantonais en abondance vont paraitre passablement lourdingues pour ceux qui ne goûtent pas ce type de comédie. Restent tout de même les scènes d’actions qui sont spectaculairement féroces et audacieuses.

Visionné plusieurs décennies après sa production, Blonde Fury n’est pas sans un certain charme rétro. Après tout, malgré ses défauts, c’est quand même un bon exemple d’un cinéma d’action extravagant qui n’existe plus de nos jours. Voir Rothrock jouer les petites ingénues est assez marrant aussi. L’actrice l’a d’ailleurs décrit comme son film hongkongais préféré à plusieurs reprises. Malgré ces lacune, Blonde Fury s’avère somme toute assez sympathique.
Yves Gendron 9/7/2018 - haut

Sword Identity    (2012)
 Dans une petite ville côtière chinoise sous la dynastie Ming, une rumeur veut que des « wokos » (pirates japonais) aux épées démesurées rôdent dans les parages. En fait, il s’agit d’une paire d’anciens soldats (dont un jeune guerrier plein de morgue) qui voudrait fonder une école martiale afin de préserver les techniques martiales spéciales qu’ils ont apprises justement pour combattre les wokos. Toutefois, les maitres des écoles locales ne l’entendent pas de cette oreille et ils renforcent les rumeurs pour chasser les parvenus. Commence alors une traque dans lequel se trouvent également mêlés un vieux maitre encore vaillant, sa jeune épouse mal mariée et un quatuor de danseuses exotiques pétulantes.

 En 2011, un petit film sans vedettes connues jette un pavé dans la mare au sein d’un cinéma martial chinois un brin guindé. Il s’agit de Wo Kou De Zong Li Aka The Sword Identity un film qui se distingue par une présentation aussi fulgurante que réaliste des arts martiaux de même que par son récit, ses thèmes et son ambiance qui l’apparente à une forme de conte martial zen.

The Sword Identity est le premier film de Xu Hao Feng un écrivain féru en art, littérature et philosophie qui a fait des études universitaires en cinéma et qui est un pratiquant de longue date en arts martiaux. En tant qu’expert martial mettant en scène des films, écrivant ses propres scénarios et chorégraphiant lui-même les combats, Xu est avec Lau Kar Leung le cinéaste martial le plus complet que le genre ait connu jusqu’à ce jour. En vue du bagage particulier de Xu, il n’est pas étonnant que Sword Identity et les films suivants qu’il a réalisés par la suite soient distincts de la norme.

Le récit de Sword Identity repose sur un chassé-croisé intriguant entre une série de personnages mystérieux et stoïques dans lequel la ruse a autant d’importance que les prouesses à l’épée. Le film est ponctué de scènes d’action martiale présentées d’une façon réaliste sans effets spéciaux ni acrobatie, mais qui n’en sont pas moins visuellement saisissante.

L’emphase y est mise sur la rapidité, la précision et l’économie de mouvements des acteurs ce qui fait que la plupart des combats se terminent en un clin d’œil. Le tout est filmé la plupart du temps en de longs plans séquences bien que le film emploie parfois une succession rapide de plans.

Sword renonce complètement à l’emploi du ralenti qui est d’habitude omniprésent dans le cinéma d’action. Par contre, la plupart des démonstrations martiales sont présentées selon un artifice d’action/pause dans lequel les morceaux d’action sont intercalés entre des instants d’immobilisme prolongés. Lorsque le moment d’action survient, son impact tant visuel que dramatique se retrouve ainsi décuplé.
On est loin des affrontements habituellement longs et tourbillonnants que l’on retrouve aujourd’hui dans le cinéma martial contemporain avec ces wuxias-pian remplies de CGI ou les castagnades brutales et épiques de Donnie Yen dans ses thrillers d’action de même que la série Ip Man.

Le rythme posé de la narration, une mise en scène combinant épure et brio de même qu’une trame musicale élégiaque donne un climat envoutant au film. Dans ce contexte particulier, l’apparition de morceaux d’humour pince-sans-rire semble d’abord assez déconcertante. Discret et occasionnel au départ, l’élément comique s’élargit au fur et à mesure que le film progresse.

En en plus de faire rigoler, l’emploi de l’humour dégomme les prétentions des personnages et les humanise. En fait, l’humour est une des façons que le film emploie pour offrir une vision subversive du monde martial avec ses maitres qui derrière une façade de respectabilité emploient des méthodes retorses pour protéger leurs autorités et leurs réputations. Malgré tout, le film ne succombe jamais à un manichéisme caricatural et simplificateur.

Dans Sword Identity la distribution est constituée d’acteurs nouveaux venus ou peu connus, ce qui contribue à la fraicheur du film. Le seul visage reconnaissable pour les habitués du cinéma martial chinois est celui de Yu Cheng Hui qui avait joué la Némésis de Jet Li dans a trilogie du temple de Shaolin au début des années 80. Dans un de ces derniers rôles (l’acteur étant décédé en 2015), Yu incarne un maitre vieillissant et faillible, mais encore vigoureux qui est le personnage le plus humain et attachant de Sword. Le film offre également à l’acteur l’occasion de mettre en valeur ses habilités martial cultiver pendant plus de cinquante ans. C’est ainsi que l’affrontement final entre son personnage et celui joué par le nouveau venu Song Yang se déroule comme une forme de ballet plein de feintes jusqu’au coup ultime.

Quelques délicieux petits moments sont également suscités par la belle galerie des personnages féminins à savoir le quatuor des danseuses et l’épouse du vieux maitre. Bien que leurs emplois soient relativement stéréotypés (ce soit des enguichures ou des femmes fatales) ce ne sont pas non plus jolies fleurs effacées. Elles sont séduisantes et ont du caractère. Cela ajoute un certain pétillant au récit.

Sword Identity peut être perçu différemment selon la sensibilité particulière des spectateurs. Ainsi si certain peuvent être séduit par la beauté visuelle du film, son ambiance envoutante, et ces morceaux d’action fulgurants d’autres par contre pourraient trouver le film ennuyeux à cause de sa lenteur et de sa manière détachée de présenter le récit et les personnages.

Quoi qu’il en soit, il est indéniable que Sword Identity représente une manière différente d’envisager le cinéma martial. De bien des manières, on pourrait même le considérer comme l’antithèse du cinéma martial contemporain.

Depuis Sword Identity, Xu Hao Feng a continué de faire des films à sa manière chacun démontrant un plus haut niveau d’envergure et d’ambition. Pour ceux qui souhaiteraient découvrir ce créateur martial original et songé, Sword Identity constitue donc un excellent point de départ.
Yves Gendron 1/15/2018 - haut

Ip Man 3    (2015)
 Hong Kong 1949, Ip Man (Donnie Yen) est maintenant un maitre établit et respecté dont la tranquillité se trouve compromit lorsqu’il s’interpose aux exactions d’un gang qui cherche à s’emparer d’une école à des fins de spéculation foncière. Les affrontements vont en empirant jusqu’à ce que le maitre doit confronter le chef du gang un fier à bras américain appeler Frank (Mike Tyson). Parallèlement, Ip Man a également à faire face à un autre maitre de Wing Chun (Max Zhang Jin) qui cherche à s’imposer en le défiant. Finalement Ip Man se retrouve également confronter à la maladie de sa femme (Lynn Xiong) qui est attente du cancer.

 Après la sortie de Ip Man 2 en 2010, Donnie Yen affirma ne pas être intéressé à participer à un troisième film à cause de la surexposition du personnage. Pourtant, quatre années plus tard, il accepta de jouer à nouveau le grand maitre du Wing Chun. Si Wilson Yip, réalisateur des deux premières productions, tient à nouveau la barre de la mise en scène, la chorégraphie est cette fois-ci assurée par nul autre que le grand Yuen Woo-ping. Ip Man 3 marque ainsi les retrouvailles après plus de vingt ans, entre Donnie et Woo-ping qui l’avait introduit comme vedette en 1985 avec Drunken Tai Chi. Ils n’avaient pas travaillé ensemble depuis Wing Chun en 1994.

Au départ, l’idée pour ce troisième opus était de le centrer sur la relation entre Ip Man et son disciple le plus célèbre : Bruce Lee. Wilson Yip avait même affirmé son intention d’utiliser la technologie CGI pour recréer la vedette. L’opposition des héritiers de Lee mit fin à cette idée, bien que Bruce fait quand même un petit caméo sympathique dans le film, interprété par Danny Chan Kwok Kwan l’acteur, qui depuis Shaolin Soccer s'est spécialisé à jouer le Petit Dragon. Ip Man 3 reprend également une gimmick employé jadis dans le film de Bruce Lee : Way of the Dragon, un duel de gladiateurs entre la vedette chinoise et un champion occidental. Alors que dans ce film Bruce affrontait le champion kick-boxeur Chuck Norris, Ip Man 3 lui montre Donnie Yen faisant face au boxeur poids lourd Mike Tyson.

Le 3ème film reprend essentiellement la formule scénaristique des deux premiers, mais en les ajustant différemment. Une fois de plus Ip Man doit donc faire face à un challenger chinois, à un étranger agressif et à une maladie de sa femme. Toutefois, contrairement au schéma des deux films précédents et aux attentes suscitées par le rôle de Tyson, l’étranger n’est pas l’ultime adversaire du héros. De plus, malgré la présence d’un policier anglais condescendant et corrompu, l’esprit chauvin prévaut dans les autres films. Ip Man est presque absent du troisième. Le véritable cœur du film repose sur sa relation avec son épouse atteinte du cancer qui donne éventuellement au récit une tournure plus intime et touchante. L’heure n’est plus à régler des comptes aux brutes étrangères ou à donner une leçon à un rival, mais à passer le plus de temps possible avec l’être aimé. Cela donne l’opportunité à Donnie Yen etLynn Xiong Dai Lin, jouant à nouveau le rôle de l’épouse, de faire voir les meilleurs moments dramatiques de leurs personnages de la série.

Cette nouvelle approche dramatique ne signifie pas que les affrontements soient négligés loin de là, bien que ce soit surtout dans la seconde moitié du film que se trouvent les combats les plus mémorables. Après une suite de combats de rue assez générique, les scènes d’action décollent vraiment avec une bagarre générale dans un chantier naval rempli d’obstacles à surmonter et de truands à assommer. Suivent ensuite trois superbes duels, fort distincts tant dans le type d’adversaires rencontrés (un tueur Muay thaï, un boxeur, un maître Wing Chun) que l’endroit où ils se déroulent (une cage d’ascenseur suivit d’un escalier, un entrepôt, un won). Mike Tyson est l’adversaire du deuxième duel, une rencontre de titans dans laquelle Ip Man doit adapter ces techniques pour affronter un adversaire beaucoup plus puissant que lui physiquement.

Toutefois, le vrai grand affrontement du film est le troisième duel : Ip Man contre un autre maitre en Wing Chun (joué par Max Zhang Jin). C’est le premier film de kung-fu que je connaisse qui présente un affrontement final entre deux maitres de ce style. Le duel se déroule en trois temps (bâton, couteau papillon et mains nues) et présente dans des démonstrations tonitruantes, mais articulées, les multiples facettes du Wing Chun.

Si le changement de chorégraphe de Lee Siu-hung à Yuen Woo-ping n’a pas modifié l’approche réaliste des combats, il m’a semblé par contre que le calibre de la mise en scène et du montage est un cran plus relevé que dans les films précédents surtout dans l’ultime affrontement avec quantités de mouvements de caméra tourbillonnants. Cette première collaboration entre Yuen Woo-ping et Wilson Yip tient vraiment toutes ses promesses et la virtuosité du duel final ajouté à l’angle touchant de l’histoire, clôt la trilogie Ip Man sur une note plus que satisfaisante.

On a fait grand cas de la présence de Mike Tyson dans le film et de son duel contre Donnie Yen, mais en fin de compte il n’apparait que dans trois ou quatre scènes incluant celle de l’affrontement. Comme la présence d’un boxeur noir avec des tatouages maoris fait un peu incongrue dans le Hong-Kong des années 50, les apparitions limitées de Tyson sont bénéfiques au film. Même s’il est un chef de gang agressif, Tyson, n’est pas présenté de façon hideusement caricaturale comme l’ont souvent été les antagonistes noirs dans des films d’action hongkongais (Tiger cage I et II, Righting Wrongs, Don't Give A Damn !). Pratiquement aucun cas n’est fait de sa race ou de ses origines.

L’autre grand adversaire d’Ip Man, joué par Max Zhang Jin, est aussi présenté de façon nuancée. Ce n’est pas un mauvais bougre, il cherche juste à faire sa place tant à la force de ces poings qu’avec des coups de gueules. Tant les personnages de Zhang et de Tyson sont accompagnés de leurs rejetons (tout comme l’était déjà le personnage de Sammo Hung dans le deuxième film) afin de les adoucir.

Comme de coutume dans un film martial, Ip Man 3 traite les faits historiques à la légère. Le film s’ouvre ainsi avec un Bruce Lee âgé de 19 ans cherchant à devenir un disciple de Ip Man. En fait, à cette époque le Petit Dragon était déjà un disciple du maitre depuis longtemps et 1959 marque plutôt l’année de son départ aux États-Unis. Au moins, le film souligne les dons de danseur de Bruce qui était le champion local de danse Cha-cha- cha. La plus grosse fausseté historique du film est de montrer Ip Man être au coté de sa femme. Malheureusement dans la vraie vie, le couple vivait séparé depuis qu’Ip Man avait dû s’exiler à Hong-Kong en 1949, alors que son épouse et leurs enfants étaient eux restés en Chine continentale.
Heureusement, une appréciation des films Ip Man ne repose pas sur l’exactitude historique, mais sur leurs qualités de divertissement. Malgré quelques petites bourdes liées à la présence gimmick de Tyson et Bruce Lee, le film remplit largement ses buts. En fait parce qu’il n’est pas plombé pas le chauvinisme et est bien équilibré entre dimension narrative, martiale et dramatique je considère Ip Man III comme le titre le plus satisfaisant et abouti parmi tous les films portant sur le personnage que j’ai vus.

À noter enfin que Lo Meng reprend son rôle de maitre martial le temps de manger une volée. Lee Siu-hung n’est peut-être plus le chorégraphe du film, mais lui aussi fait une brève apparition. Le légendaire Leung Kar-yan (aka Beardy) a un rôle secondaire dans le film, 26 ans après être avoir joué Leung Jaan le premier maitre Wing Chun du cinéma dans le classique de Sammo Hung; Warriors Two
Yves Gendron 2/28/2016 - haut

Crossing    (2014)
 Vers 1949, craignant l'arrivée des communistes au pouvoir, certains cherchent par tous les moyens à fuir la Chine (pour Taiwan ?). Les paquebots à Shanghai ou d'autres villes côtières sont ainsi pris d'assaut. Dans ces tumultes, une histoire d'amour...

 The Crossing : le diptyque testament de John Woo

Gros échec au box-office chinois, le dernier film de John Woo n'a depuis suscité qu'indifférence chez nous. C'est d'autant plus injuste que le vieux maître livre sans doute l'un de ses derniers films, une œuvre somme, relecture de son parcours de cinéaste, une proposition de cinéma certes anachronique et déséquilibrée, mais foncièrement généreuse et ambitieuse.

Si le Titre The crossing désigne la traversée, d'un bateau ici en l’occurrence, il renvoie également à la notion de croisement. Croisement de destin dans une Chine en proie aux guerres civiles à la fin des années 40 et qui verra son basculement dans le communisme. Mais The Crossing est surtout le croisement entre l'amour de John Woo pour le cinéma classique hollywoodien et son œuvre phare : Une balle dans la tête. Film maudit, gros échec au box office, resserré à moins de 2h sous la pression des distributeurs, Une balle dans la tête voyait 3 amis plonger dans une spirale infernale de violence, de désillusions et de destins brisés. Le diptyque The Crossing reprend cette idée en l'élargissant à toute une société prise dans la tourmente de l'histoire qui va irrémédiablement la broyer pour la recomposer. Mais si Une balle dans la tête s'ancrait dans le polar et le film de guerre, The Crossing s'inscrit dans la fresque historique à la David Lean.

Et la première partie du film réussit plutôt bien ce programme. En convoquant toutes ces grandes figures stylistiques et thématiques (les scènes de combats montées par David Wu, une scène de danse, les colombes au ralenti), John Woo plonge 3 couples dans les affres de la guerre civile. Batailles, victoire, défaite, illusions, séparations, survie, fuite… La première partie mêle intelligemment grande et petite histoire en jouant comme sait si bien le faire le réalisateur sur un sentimentalisme très fleur bleue et une violence très crue.
Après une fin très forte de la première partie (que l'on ne dévoile pas pour ceux qui n'ont pas vu le film), la deuxième partie est sortie 7 mois plus tard. Et malheureusement, les 2 nouvelles heures viennent mettre en péril la cohérence de l'édifice. John Woo se sent en effet obligé de consacrer sa première demie-heure à la réintroduction de tous les personnages en mêlant des images de la première partie avec de nouvelles. Le dispositif fonctionne mal. C'est bien trop elliptique pour un spectateur qui n'aurait pas vu la première partie et bien trop longuet pour celui qui en a la connaissance.
Puis le récit reprend la spirale infernale. Sauf que la belle mécanique s'enraille. D'abord parce que les drames personnels deviennent le centre d'intérêt du réalisateur qui passe une grande partie de son temps à filmer les larmes de ses protagonistes. La spirale se mue alors en surenchère de mauvaises nouvelles, de souffrances et d'horreurs. Le naufrage, promesse initiale du film, n'est finalement qu’anecdotique. Un malheur de plus dans des destins déjà tellement brisés… Son seul intérêt réside alors dans ce jusqu'au boutisme avec lequel John Woo dépeint l'horreur de la condition humaine. Enfant enfermé dans le bateau en train de couler et qui crie derrière le hublot à l'aide, adultes qui se noient en arrachant les gilets de sauvetage aux plus faibles…

De fait cette deuxième partie empêche au diptyque d'atteindre le statut de chef d’œuvre. Mais elle permet de mettre en lumière la démarche du réalisateur. Oser un cinéma extrême qui pousse les curseurs de la violence, de la cruauté, du romantisme et de la mélancolie au point de mettre en péril l'équilibre de son récit. Si Une balle dans la tête avait bénéficié de son montage initial, ne serait-il pas tombé dans ce même travers d'un baroque poussé jusqu'à l'écroulement de sa structure ? The Crossing nous montre à quel point le cinéma de John Woo est un cinéma de funambule en déséquilibre permanent qui n'hésite pas à risquer la chute.

The Crossing est une œuvre somme, représentative de ce que John Woo fait de mieux, de sa rage, de ses errances jusqu'au-boutistes. On pourra bien sûr préférer un cinéma plus sage et plus équilibré. Mais ce serait nier le fondement même du cinéma chinois, et hongkongais en particulier, ce goût pour l'excès, ce refus de l'équilibre et du classique. Et de ce point de vue, The Crossing, parce qu'il incarne cette proposition de cinéma est un testament précieux.
Laurent Henry 2/8/2016 - haut

Sand Pebbles    (2015)
 Trois cousins, l’un élevé en chine continentale, l’autre au Canada et la dernière à Hong Kong, se retrouvent confiés à leur grand-mère le temps que l’épidémie cesse. Confinés dans l’appartement de cette dernière, ils apprennent bon gré mal gré à se connaître davantage.

 Dans le cadre d’une industrie cinématographique hongkongaise qui peine à retrouver la splendeur perdue des années 1980/1990, le retour d’anciens réalisateurs de cette époque ne peut que générer un certain espoir. Malheureusement, les différentes tentatives qui ont eu lieu jusqu’ici ont méchamment douché ces attentes. Ainsi, aussi bien le Baby Blues de Po Chi Leung ou le Z Storm de David Lam ont été de cruelles déceptions. Contrairement aux deux metteurs en scène sus-cités, à la tête de budgets relativement important, Clifford Choi, un des anciens membres de la nouvelle vague, revient par la petite porte. Sand Peebles est un petit budget, avec pour seule actrice connue la vénérable (mais bien peu bankable) Nina Pau. Autant dire qu’il n’y a pas de miracle à attendre du film en ce qui concerne son exploitation commerciale… Mais cela n’empêche pas Sand Peebles d’être une des rares réussites de cette mode du come-back.

Le film se passe durant l’épidémie de SARS. Trois cousins, l’un élevé en chine continentale, l’autre au Canada et la dernière à Hong Kong, se retrouvent confiés à leur grand-mère le temps que l’épidémie cesse. Confinés dans l’appartement de cette dernière, ils apprennent bon gré mal gré à se connaître davantage.

Au cours d’une carrière forte de 10 réalisations, Clifford Choi a démontré avoir une belle sensibilité envers la jeunesse (Encore, Teenage Dreamers, Grow Up in Anger) et le sort des immigrés (Hong Kong, Hong Kong, Amnesty Decree). Il n’est donc pas surprenant que ces thèmes soient au cœur de Sand Peebles. Ce qui l’est davantage, c’est que Choi ait réussi à capter la réalité contemporaine de ces sujets. Car, entre les années 1980 et aujourd’hui, les choses ont bien évolués en la matière.

Hong Kong a traditionnellement été une ville de passage. Ce n’est qu’après 1949 qu’une identité hongkongaise tel que nous la connaissons aujourd’hui s’est formée. En même temps que cette culture locale s’est créée, la vision de l’immigration a évolué, tout spécialement l’immigration venant de la Chine. De victime, l’immigré Chinois est devenu une menace. Avec Sand Peebles, Choi remet les choses à l’échelle humaine. Oui, les différences culturelles et de langages mènent à de multiples difficultés et autres quiproquos. Mais, une fois ces problèmes confrontés, ces différences deviennent une force, une richesse aussi bien pour l’entourage proche que la société dans son ensemble. Un fait qui s’applique d’ailleurs aussi bien aux immigrés en provenance de la chine que d’ailleurs. C’est ce processus qu’illustre le récit. Obligés de cohabiter ensemble, chapeautés par leur attachante grand-mère, les trois jeunes vont s’affronter, chacun voulant conserver ses petites habitudes, mais finiront par s’ouvrir, s’apprécier et se soutenir les uns les autres face aux obstacles de la vie, le SARS en tête. Les bonnes intentions sont évidentes et pourraient faire tomber le film dans une sorte de leçon de morale digne d’une publicité gouvernementale. Mais Clifford Choi réussit à éviter l’écueil en injectant une bonne dose d’humour et par une confiance sans faille dans son sujet et ses personnages.

Le petit budget de l’entreprise impacte hélas le plaisir qu’on peut prendre à voir le film de l’ancien membre de la nouvelle vague. Des problèmes sur le mixage du son, une reconstitution de l’époque du SARS approximative et des prestations d’acteur très inégales empêchent une immersion complète dans le récit. Mais ces scories ne sont pas suffisantes pour brouiller le joli message que fait passer Sand Peebles. Un message rare dans le cinéma hongkongais actuel et donc d’autant plus précieux.
Arnaud Lanuque 6/18/2015 - haut

Special Id    (2013)
 Sunny (Andy On), membre de l’organisation de Xiong (Collin Chou), veut prendre le pouvoir sur ce dernier. Il lui faudra pour cela mettre hors d’état Chan (Donnie Yen), qui est en fait un flic infiltré dans l’organisation.

 En 10 ans, Donnie Yen est passé au sein du cinéma d’action hongkongais du solide second couteau à la star incontestée du genre. Non content d’enchaîner des rôles de premier plan (Ip Man en tête) l’acteur a donné un énorme coup de fouet au genre martial en développant dans ses chorégraphies le MMA (Mixed Martial Arts). Pour l’amateur venu voir de bons combats, SPL ou Flashpoint délivraient une qualité d’action assez élevée.

Depuis 3-4 ans, Donnie Yen a davantage privilégié les films en costumes avec un style de combat plus classique. L’arrivée du projet Special ID a fait l’office d’une bouffée d’air frais : l’acteur revenait dans un polar où il affrontait une autre star du genre action : Vincent Chiu Man Chuk (The blade), dans des joutes impliquant le MMA, le tout filmé par un petit maître du divertissement hongkongais de la fin des années 80-début 90 : Clarence Ford. Mais finalement, toutes les qualités supposées de Special ID vont s’avérer être ses plus gros défauts.

Premier accro : Vincent Chiu Man Chuk a quitté le tournage du film, pour diverses raisons selon les sources. Le duel entre l’acteur et Donnie Yen n’aura pas lieu. A la place, Andy On (New police story, True legend) joue le méchant de service. Si physiquement, l’acteur se débrouille très bien, niveau jeu, nous sommes à l’opposé de la sobriété. A l’image de tout le casting.

En effet, Clarence Ford n’a jamais brillé par une grande direction d’acteur. L’homme est avant tout un excellent technicien qui tournait rapidement des divertissements typiques de la folie du cinéma d’action Hongkongais d’il y a 20 ans. Mais les critères de qualité ont évolué. Time Warriors et Dragon from Russia ont beau être de solides films d’action, réalisés aujourd’hui, ils ne posséderaient pas le statut de petit classique dont ils bénéficient (trop marqué par l’époque où ils ont vu le jour).
Clarence Ford a conçu Special ID comme il concevait ses films dans le passé : techniquement correctement ficelé mais un total manque de rigueur au niveau du jeu des acteurs ou de l’histoire.

Tout le monde dans Special ID est en roue libre. Le pire étant les scènes dialogués entre Donnie Yen et les malfrats, détestables au possible (l’acteur y est encore plus poseur et frimeur que dans Flashpoint).
Mais après tout, qu’est-ce que le casting avait à défendre ? Une énième histoire de flic infiltré dans un gang, le tout saupoudré d’une romance avec le-dit flic. C’est tout.

A l’époque, si Flashpoint avait séduit les amateurs, c’était avant tout pour ses extraordinaires scènes de combat. L’histoire, les acteurs, on ne peut guère affirmer que le film de Wilson Yip était réussi. Mais comparé à Special ID, le métrage était d’un autre niveau.

Le film de Fok, en plus de posséder quelques carences au niveau du rythme, n’est jamais intense et s’embourbe dans des scènes romantiques entre Yen et une policière (les interminables scènes sur le toit d’immeuble).

Il n’y a que l’action qui pouvait sauver le film de la déception totale. Entre-aperçu dans la bande annonce du film visible sur le net en juillet 2013, elle faisait office d’un spectacle total. Mais déjà, deux mois plus tard, un extrait de deux minutes avait légèrement refroidi un grand nombre de personne. L’efficacité des films de Wilson Yip ne semblait pas être totalement présente (montage quelque peu hasardeux).

A l’arrivée, Special ID n’est pas une nouvelle référence du cinéma martial mais propose néanmoins de beaux combats. Le problème évoqué plus haut concernant le montage n’est pas seul à mettre en cause. Le véritable défaut des combats provient de l’approche MMA de Donnie Yen. Si ce dernier nous a offert avec le final de Flashpoint la scène ultime en la matière (parfaite fusion du free fight et de la chorégraphie classique hongkongaise), sur Special ID, il a conçu des affrontements beaucoup trop techniques et marqués MMA. En résulte un petit manque de vitesse, de fluidité et d’impact. Les joutes se contentent trop souvent à des corps à corps ou des prises de soumission, sans la patte hongkongaise qui leur aurait donné un cachet supplémentaire.

Le final entre Donnie Yen et Andy On en est la scène symptomatique. Bien que plaisante, elle est loin du niveau de l’affrontement entre l’acteur et Collin Chou dans Flashpoint. Le combat est néanmoins violent, intense et d’une durée assez conséquente. Il est en revanche précédé d’une superbe poursuite en voiture orchestré par le spécialiste Bruce Law (Extreme crisis) qui constitue une bonne mise en bouche avant le final.
A noter que pour les amateurs de bandes martiales, le combat contre Ken Lo (Drunken Master 2) au début du film constitue un petit plaisir certain, même si l’aspect MMA handicape là encore quelque peu l’affrontement.

Special ID ne constitue qu’un véhicule de plus pour Donnie Yen. Aucune originalité, aucune prise de risque. Le film est sur des rails bien balisés pour sa vedette. Avec un réalisateur solide capable de le diriger et lui tenir tête, Yen peut donner de bonnes prestations (Wu Xia, Ip Man).
Clarence Ford n’étant pas de cette trempe là, Special ID n’est qu’un Donnie show où tout le monde sur-joue. Sorte de sous-Flashpoint, le film est un polar mineur d’où surnage néanmoins 3-4 séquences d’actions assez bien ficelées (à l’heure actuelle, c’est clairement le haut du panier en matière d’action). Mais en poussant l’aspect MMA au maximum, Donnie Yen ne retrouve pas complètement l’efficacité d’SPL et Flashpoint.
Denis Gueylard 1/20/2014 - haut

Dog King And Snake King    (1974)
 Maitre Li, un éleveur de chiens de combat, et Maitre Tchang Kai, qui est lui dans l’élevage de serpents, se querellent constamment depuis des années. Leurs chamailleries puériles contrarient l’amour liant le fils du premier avec la fille du deuxième. En plus du kung-fu, chaque patriarche emploie fréquemment leurs bêtes dans leurs chicanes entrainant des affrontements féroces entre reptiles et molosses. L’arrivée d’un collecteur de taxes et de ses fiers à bras va changer la donne et amener les deux bougons à s’allier pour se secourir réciproquement, de même que leurs enfants.

 Imaginez une kung-fu comédie opposant Louis de Funès et Bud Spencer. C’est un peu l’impression que j’ai eue avec Cobra Karaté, film kung-fu taiwanais datant de 1974 centré sur l’antagonisme comique entre deux patriarches : l’un petit, grincheux et grimaçant alors que l’autre est un gros ours bourru et colérique. Un rapprochement facilité par le fait que j’ai visionné une version du film doublée en français datant d'au moins trente ans.

L’antagonisme comique entre les deux bougons est un deux gimmicks du film. Le second est l’emploi de chiens (des bergers allemands pour la plupart) et de serpents (incluant des cobras) que chaque famille utilise contre l’autre et plus tard contre le collecteur de taxes et ses sbires.
Film martial comique datant d’une époque où l’émergence de la kung-fu comédie était encore lointaine, Cobra Karaté donne l’impression d’être un drôle de petit ovni, d’autant plus que ni son metteur en scène ou ces vedettes sont des noms reconnus. C’est que bien que la présence d’éléments comiques dans les films kung-fu du début des années 70 soit fréquent, des films kung-fu essentiellement comiques étaient par contre assez rares (Back Alley Princess datant de 1973 étant l’un des seuls exemples que je connaisse). Ceci dit, bien que le film soit essentiellement une comédie, tous les affrontements n’impliquant pas les patriarches ont l’apprêtée costumière des films martiaux de l’époque et plus d’un personnage meurt sous les coups. Les amis des bêtes pourraient également ne pas trop apprécier certaines scènes où les bestioles du film sont visiblement mises à mal.

En fait, Dog King and Snake King (Le roi des chiens et le roi des serpents titre anglais original du film) a été réalisé par Li Kuang Tsang. Cet acteur, actif entre 1955 et 1979, aura également mis en scène une dizaine de productions dont un film de Bruce exploitation;Bruce Lee, We Miss You. Dans Cobra Karaté, il incarne également le patriarche éleveur de chiens. Ne connaissant rien de Li ou de son travail, il m’est impossible de dire si l’approche comique de Cobra Karaté est unique à ce film ou si on la retrouve dans d’autres de ces productions. C'est certainement une idée originale pour l' époque mais exploiter de manière un peu inégale.

Le calibre comique peu élevé, la transparence des artifices pour faire paraitre les bestioles dangereuses (avec des acteurs jouant grossièrement la terreur) et l’absence manifeste de vrai kung-fu chez les deux patriarches sont les lacunes les plus évidentes du film. Malgré ces manques, Cobra karaté bénéficie quand même de personnages bien campés (surtout le Louis de Funes taiwanais, Ai Tsai Tsai, est rempli de combats furibonds (dont un avec des yoyos d’acier) et la trame musicale enjouée contribue à l’élan truculent des péripéties. Et puis aussi risible qu'elles soient, les scènes avec les bêtes ne sont pas sans un certain charme loufoque tout comme le doublage français du film.

D’une durée de 70min à peine, la version française du film aura été coupée de quelques scènes (pratique courante dans les films kung-fu doublé français des années 70-80). L’une des scènes manquantes voit l’héroïne attaquer ces adversaires aux nunchakus).

Au final Cobra Karaté s’avère un sympathique petit nanar, successible d’être surtout apprécié par les vieux amateurs de film kung-fu doublé à la recherche de plaisir nostalgique.
Yves Gendron 12/23/2013 - haut

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